Lina de la Torre

August 21, 2023

Interviewees:
Raúl Navarro, Melissa Padilla, Pamela Macías, Matthew Armstrong

English interview:

What was the impetus for the customizable interactive event “Performance on Point” (POP)?

Group: The piece emerged from the idea to converge contemporary dance performance and live art installations. ConnectArte invites performance artists from the local region to use site-specific locations to highlight their individual work in a more intimate setting outside of a traditional proscenium theater venue.

Was it more from Contemporary dance, or Performance Art angle in terms of the concept or both?

Matthew: The four of us have worked together for many years. We have had many experiences together, including some more on the Contemporary Dance side as well as the Performance Art side.  For this upcoming “Performance on Point” (POP), timing was perhaps the most important part.  Because of the pandemic, we were all coming back together and wanted to come up with a concept that would be more on the informal side.  People were just getting back into performances in physical form.  We wanted a format that had certain breaks.  We wanted to give the audience the choice. In the comfort of their own homes, they can watch something virtually, so we wanted to spark their interest so they will come out and see a live performance.

What are some of the unifying characteristics of the experience for participants? What themes or ideas will run through the group experiences as well as the individual pieces?

Matthew: There will be an opening and a closing that frame the overall experience, in which the artists can create a diverse and refreshing performance piece sharing the space in real time.  We are going to start the piece together.  Within the different solos is where we have the grounding of the theme of social issues.  

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Matthew’s solo for this edition of POP tackles the issue of corruption in general and how it has been affecting us.  He said: “Especially now where technology is ever so demanding on our souls, we want to express how we live with that. Once we are ready to come together, we are going to try to merge our individual themes.”  

Melissa is working around the concept of identity and stereotypes.  She said: “Now that I am in my 30’s I find myself questioning what I like and what I see in myself at this time of my life.  I compare my current self to my teenage self in terms of gender, the way I dress, the way I think. I am looking at my relationships with friends, family, and social groups.  It is an important subject in my life right now, so that is what I am working on”.  

Pamela is working on Contamination.  She said: “I did a visual piece involving video and dance in a previous POP event and want to present it now in a physical form.” 

Raúl wants to present an accumulation of human experiences related to a variety of social issues.  He said: “Quiero presentar una acumulación de situaciones en los cuales el ser humano se ha encontrado en estos últimos años, igual en la frontera. Por ejemplo, hay temas sociales como la inmigración y todo lo que pasamos en la pandemia con los encierros y la separación.  Hay una acumulación de sucesos sociales y emociones por lo que está pasando en el mundo, pero de acuerdo con la experiencia de cada persona. Entonces, más que cualquier tema en específico quiero presentar una acumulación de lo que el ser humano está pasando en estos momentos, justo en la frontera como situación personal.  Busco que el trabajo sea muy visual para que el espectador pueda identificarse con lo que está observando o con lo que está viviendo en ese momento.”

In what specific ways have you integrated a binational perspective into the Performance on Point piece?

Matthew:  Our location on the border gives us a unique perspective, especially as artists.  Whether or not we are conscious of it, we are living a double life in a way.  Anything that affects us on either side affects us on both sides. That organically translates into the work.

How can this performance help draw artists to participate in future ConnectArte events, workshops, etc.?

Pamela: We are always excited to connect with other artists. That is why we chose our name, to emphasize that aspect that we are not closed to just the four [core] performers.  We always invite people, especially for the POP event.  We want to invite artists that see us and are moved by our presentation and have ideas to approach us [with],  to let us know that they want to participate in the performance.  We are very open to collaboration.  In fact, in many editions of POP we have had collaborations.  We welcome all types of artists in addition to performers.  Anyone interested in our POP format we want to collaborate with all four of us.

Matthew: The format itself has the power to keep it interesting for each artist because we are not asking for any type of limitation in terms of what they bring to the table. The format within each instance of POP is the same. People get together and the group splits so that the artists can get to know you more intimately, and then we come back together to share with each other. The audience is influencing what we are doing, and we are influencing how the audience is seeing the piece.  We are totally open to musicians, visual artists, digital artists, any type of art form to just have that space to present what they are feeling in that same moment.  We are really happy with this format of “Performance on Point”.  It is going to continue into the future. We are already looking at options like bigger venues and traveling to different spaces.  We want to bring up other members of our community as well.  Each edition will have different voices that work with us as the nucleus because we have performed together for many years.  The influence of other artists in our community also helps us grow as we continue on in our professional journeys.

Entrevista en español

Matthew: Maribel Durazo nos está ayudando mucho.  Ella es la Stage Manager.  Estamos muy agradecidos.  También, hay mucha gente en la colaboración y aunque no se vea, su presencia es igual de importante.

¿Cuáles elementos de su obra “Performance on Point” piensan que sean los más relevantes e importantes en cuanto a la cultura de bellas artes en México, y sobre todo en la región de Tijuana?

Raúl: El elemento primordial para mí y para el público que hemos tenido es una jaula de cachorros. Donde finaliza mi performance da la sensación de estar encerrado en la jaula. Vemos como el ser humano se encierra y se cicla en la misma idea y se va saturando.  Uno se va bombardeando solito y entra en un estado automático social. El pensamiento del ser humano de repente hace más daño respecto a lo que ve de lo que está pasando en el mundo o en la frontera. Por ejemplo, con la situación de los inmigrantes cada vez es más gente que está llegando a la frontera con el sueño de cruzar, pero al mismo tiempo se queda la gente enfrascada.  La sociedad cada vez más se mezcla de personas de diferentes estados y países de Sudamérica, o de otras partes del mundo. Como sociedad uno tiene que adaptarse a una ciudad pequeña que es muy atractiva al nivel mundial, pero al mismo tiempo fronteriza. Es una frontera muy importante en el mundo en donde pasa cada vez más gente. Entonces mi jaula es el elemento más importante [de mí solo] porque detona muchos pensamientos respecto al público que está observando como pieza coreográfica.

Melissa: Algo muy atractivo del POP es justo que todas las piezas en general, y en esta ocasión son muy llamativas visualmente.  Hay muchos colores o hay muchos elementos; hay sonidos.  Lo mismo que les lleva esta energía, a lo mejor de Tijuana y de la frontera de San Diego, que es tan ecléctica y movida creo que también se refleja en el formato del POP.  El observador toma la decisión de cuánto tiempo quiere ver algo; se puede mover; puede tomar un break; puede repetirse las piezas y si quiere las puede ver dos veces.  Hay mucho movimiento, muchos estímulos y aparte la gente se puede identificar y reflejar con muchos de los planteamientos que le estamos ofreciendo.  Eso también, nos hace conectar con ellos.  Siempre al final nos quedamos a platicar con la gente porque nos interesa mucho saber su opinión, sus impresiones sobre las piezas y eso nos retroalimenta a nosotros y podemos seguir mejorando nuestro trabajo, nuestras propuestas.  Uno de los elementos más llamativos sobre todo el evento es este dinamismo y esta cuestión de sobrecarga de estímulos.

¿De qué maneras específicas han integrado la perspectiva binacional en la obra “Performance on Point”?

Matthew:  Yo puedo comentar sobre eso porque soy un inmigrante a México.  Vengo de Estados Unidos y  he vivido en México desde hace trece años. Siento que Tijuana y la región alrededor es muy particular porque si existe su propia cultura de su propio país, pero a la vez uno puede encontrar raíces de muchísimos otros países.  Es más que binacional.  Es como una colección mundial.  Aunque existen las fronteras y los muros para que no pase la gente eso no quiere decir que la cultura no traspasa.  Toda la gente que me ha enfrentado en esta región es muy abierta a la aceptación de [diversidad de] gente.  Eso se refleja en cómo hacemos el arte [nosotros] o [en] temas que se nos hacen interesantes como artistas. No estamos clavados en una sola idea de quienes somos. En realidad, estamos viviendo en un país físicamente, pero [por otra parte] refleja que estamos representando mucha gente mezclada por sus historias.

Pienso que al público le gustaría saber más sobre la colaboración de artistas de ConnectArte.  ¿Tienen cierta formación artística que les une?

Raúl: Todos hicimos la carrera de bailarines de danza contemporánea en algunas escuelas. Melissa y yo estuvimos en la misma escuela y aparte de eso los cuatro de nosotros estuvimos trabajando por muchos años en una compañía en Tijuana. Tenemos muchos elementos en común respecto a nuestro trabajo. Por ejemplo, nos encanta a todos colaborar y hacer mezclas de ideas para crear una pieza coreográfica o performática. Nos gusta mucho la producción.  Nos encanta estar en creación o al mismo tiempo entrenándonos porque la danza es parte de nuestras las vidas.  Tenemos muchísimas cosas en común y muchos años trabajando juntos y eso es lo que hace que este proyecto sea muy atractivo y rico para nosotros.  Al mismo tiempo, nos gusta que para el público sea una experiencia que vivan en ese momento, que sea toda una experiencia desde el momento que inicia el performance.

Melissa: Algo que nos mueve a todos es crear algo. Yo también he hecho teatros.  De repente pensamos que vamos a hacer algo con las manos, vestuarios, etc.  Somos muy creativos y comprometidos con nuestro trabajo. Nos gusta ayudarnos en esos aspectos.  Por ejemplo, con la música entre todos nos damos ideas o buscamos más personas que tengan conocimiento sobre eso. Tanto nos mantenemos curiosos en nuestro ámbito como nos mantenemos curiosos para seguir aprendiendo sobre otras artes.

Me parece muy interesante la conexión entre la Opera de Tijuana y el grupo ConnectArte. ¿Pueden ampliar un poco sobre ese tema?  ¿Cuáles aspectos resaltan en la colaboración?

Matthew: Esa una oportunidad que nos llegó hace unos meses. Tenían una obra en mente de un compositor de San Diego que querían presentar.  [El compositor] tenía como ocho a diez años en el proceso, pero por fin Joseph [Waters] tenía listo todos los elementos que quería para presentar su visión. Mas allá de la ópera estaban buscando un elemento de la danza.  También tenía elementos visuales como proyecciones. Quiso presentarlo por primera vez en Tijuana.  Me contactó porque quiso tener un grupo de bailarines que estaban abiertos a un formato contemporáneo.  Pero era más allá de eso porque la ópera se trataba de una persona que estaba buscando su identidad en un mundo de plantas [entre otros elementos].  Yo le contesté que tenía este grupo con que he trabajado mucho y que con este grupo tenemos la confianza de arriesgar.  Trabajando tanto tiempo juntos con Melissa, Pamela y Raúl nos daba la confianza de tratar, de fracasar, de buscar de nuevo; también ese proceso nos nutre. 

Raul: Fue muy atractivo. Al principio cuando nos enteramos de la historia que querían hacer, de que tanto querían incluir, [de] que tanto querían incluir en la escena [nos interesó].  Había músicos en vivo; había cantantes de ópera en vivo; había actores en vivo; había un coro y también nosotros como bailarines.  Entonces, éramos muchos.  Era totalmente un cuento. Nosotros tuvimos como 13 cambios de vestuarios durante la obra de arte.  Fue muy divertido como artista trabajar con música y cantantes en vivo.  Siempre lo disfrutábamos mucho porque siempre estábamos atentos. Como obra en vivo, cualquier cosa pueda pasar.  Para mí es de las experiencias más divertidas porque entras en el viaje de la obra.  Se llama El Colibrí Mágico.  Están haciendo un video y está por terminarse.  Refleja lo que quiso plasmar Joseph [Waters] con el conjunto de artistas. Esperamos volver a colaborar con él.  Tiene una capacidad de crear impresionante.